March 17, 1998

Einige Festivalkommentare zu den Blickfeldern 1998

... velut luna, statu variabilis: eine Folge kindertheatertypischer Szenen, wechselhaft, dass Mitdenken fordernd, doch ohne roten Faden (oder nur mit einem a posteriori vermeintlichen)
... die Ausgangssituation irritiert: eine ältere Frau mit leicht krummer Körperhaltung trifft auf jungen, langen, wunderlichen Mann; sie ist schwanger oder hat etwas Lebendiges gefressen und bisweilen kommuniziert sie mit diesem etwas in ihrem Bauch oder spuckt kleine Dinge, Knöchelchen und Schuhbändchen, aus; er lebt mit seinen Dingen, Dosen und Schächtelchen, die er  fürsorglich zärtlich in Aquarien hält; als sie auftaucht sucht er ihre Aufmerksamkeit und ihren Applaus, doch sie möchte weiter und bleibt nur weil eine unbekannte Kraft sie - angeblich - immer wieder zurück in den Bühnenraum drängt
... diese Irritation wird nicht aufgehoben, er/geklärt, sondern stets neu genährt durch Wunderlichkeiten, teils ganz lebensnah, teils völlig ausserhalb der gemeinen Lebenserfahrung, bis er zu guter letzt in ihren Bauch landet;
... das Tempo der Begegnisgeschichte wirkt dabei allerdings künstlich, zu langsam oder eher zu schnell  und lässt das Synthetische des eigentümlichen, phantasievollen Vexiersspiels störend augenscheinlich werden (wodurch auch das Enstehen eines Spannungsbogens verhindert wird)
... so langweilt die Müttergeschichte bald und dominiert das Bild vom Schwan mit krummen Rücken derein Fremdes, Anderes attackiert, eines Schwans ohne Eleganz und auch ohne erotische Ausstrahlung, der umgekehrt seiner Infantilität Echtheit gibt aber eine Selbstprojektion nur Frauen und Kindern nahelegt
... die Szenen bleiben spurlos bis auf das biedere Finale mit dem zum Mistkratzerli aufgeputzten Männchen, das seine Wohnung im Inneren der Frau findet, die ihrerseits so eine ihrer (behaupteten zahlreichen) Geschichten endlich zu einem befriedigenden Ende bringt und zur glücklich grinsenden Ruhe findet
... nur dass der dürre Witz der Nacherzählung dem Spiel auf der Bühne fehlt: zu viel bleibt unklar, unangesprochen; die Fülle der absurden Ideen bleibt ungeklärt in der Zeit stehen ohne zu einer zwingenden ästhetischen Beziehung zu finden
... letztendlich scheitert das Theater vor allem an der Aufgabe, die es sich im Titel gestellt hat: der als zauberhaftes Faktum präsentierte anatomisch visualisierte Zusammenhang zwischen Gebärmutter und Verdauungsstrakt bleibt ein unverständliches (und eines Mysteriums mangelndes) Bild für das dramaturgische Scheitern, das den Verzicht auf philosophischen Tiefgang als schlichtes intellektuelles Defizit blosstellt
... dabei sind einige der Spielideen durchaus treffende Miniaturen
... wie auch immer, Theater für Frauen und vielleicht für Kinder, nicht so sehr für Erwachsene, denn wie eine Dame der Szene meinte "Da ist wirklich alles da. " (im Gegensatz zum Theater des Marcelo Diaz vom kitz)

Die Regierung (Schweiz): Regierung spielt Autofahren im Schauspiel Akademie Theater
  für Erwachsene und andere

... und spielt und spielt eigentlich nicht, sondern horcht auf den Text vom Band, während das Publikum lacht, die Experten im Programm blättern und der Kritiker ab und zu aufwacht und wieder einnickt, oder doch nicht
... die Schauspieler oder auch Ausstellungsstücke sind geistig Behinderte, der Text (ihnen meist glaubhaft nahe) erzählt von den Gedanken auf der Autobahn, universell banal, teils eindeutig im einschlägigen Alltagsdenken, teils im gutbekannten, einschlägigen, dem Klischee über die Darsteller treffend entsprechenden, Tonfall, teils ferne intellektuelle Notiz zu österreichischen Literaten wie Brecht und Handke (jaja, der Osten ... hätt man noch hinzufügen können)
... meist freilich nett oder einfach lustig ekelerregend, beispielsweise bei den Masturbations- oder den Nasenbohr-Vorstellungen
... Gedanken riesenhaft aufgeblasen in den Köpfen des Darstellerteams, Regierung genannt, geistige Behinderung als mentaler Zustand des normalen Menschen
... leider nur selten genau und treffend, und auch dies nur unverbindlich leicht oder auch daneben
... das Grundmotiv von der anerzogenenen Ähnlichkeit des Denkens in einer.spezifischen Situation wie einer Fahrt auf der Autobahn, gedoppelt durch das fastavantgardistische Musizieren der Darsteller schafft sprachlich wie szenisch wenig Dichte, und umhüllt mehr als darzustellen
... trotzdem ein sehenswerter Theaterversuch
... am Ende applaudiert das Publikum zufrieden

Die Nacht ist Szene oft, erhellt nur von Regieideen bei Shakespeare. Doch wenn die grossen Kinder Liebe spielen, dann wird es heller, wenn auch - zum Glück - nicht ganz. Der Einführung kurzer Sinn. Marcelo Diaz, der Direktor des Theaters an der Sihl, versucht sich als Regisseurdramaturg und patscht Liebesszenen aus den Stücken `Hamlet', `Wie es Euch gefällt', `Ein Sommernachtstraum' und `Romeo und Julia' zu einer `Schicksale'-Collage zusammen, dass den einen der Schauer überrieselt und den anderen es eine wahre Freude ist, nämlich ihm und seinen jungen DarstellerInnen. Ob Artisten, Samurais oder shakespearesinistre Gestalten, zur Kunst erklärt sind alle Theater. Und da dieses alles darf, fängt es in der SAZ schon gleich ganz übel an mit dem Versuch, `positive' Massenhysterie durch Musik zu erzeugen. Für einmal ein Musikantenstadel an der Gessnerallee. Olé! Und geht dann in eine Schületheatermoderation à la "... und jetzt laufen die Shakespeareprotagonisten ein ...' über. Wer geht, der soll dies schon in den ersten 5 Minuten tun, so er den Mut hat vor aller Augen frevelhaft dem jungen Blute zu entsagen. Olé! Olé!

Danach gelingt in sporadischen, aber doch zahlreichen Einzelszenen, mit dem einen oder anderen Regiegag - nicht alle davon neu, aber einige recht gut - überzeugender Sinn und es entsteht Spannung, auch wenn die dramaturgischen Spannungsbögen separiert voneinander ablaufen und zu keinen Gemeinsamkeiten finden, ganz abgesehen von der alles zermanschenden Zwischenmoderation. Wo ein zugrunde liegendes Konzept doch behauptet wird, werl irgendwie und sowieso, entsteht hässlich unfärbige Vagheit und Nichtigkeit, die - aber - meist durch die kindlich peinsame Pänetranz der Moderation überkleistert wird. Olé! Olé! Die im Titel angekündigte Schicksalidee bleibt jedenfalls Geheimnis des dramarisierenden Regisseurs.

Dessen Sündenregister im übrigen und weil wir gerade dabei sind, noch ein längeres in dieser Produktion. Ganz oben an der dritten Stelle nach Auftakt und Moderation steht darauf die Gestalt des Pucks: feist und beschränkt walzt sie durch die Gegend und träufelt - elegant gemeint - den schlafenden Schlampen und Schwänzen aus der Stadt stehenden Fusses die rechten Wendungen von der hohen Hand auf die Augen, wenn er nicht der Lustigkeit halber sie auch - versehentlich und folgenlos - der Moderatorin ins Auge spritzt. Man hat sich offensichtlich etwas gedacht dabei, aber was? Olé?

Wie überhaupt die Produktist ion reich ist, an sich etwas Gedachtem. Und der Verdacht keimt bald einmal auf, dass hier einer schlicht einige sausprobiert hat. Die SchauspielschülerInnen tragen keine Masken, sondern sie spielen sich selber. Dies wirkt echt und in Ansätzen auch reizvoll, es langweilt aber auch, soferne man nicht sehr viel Interesse dem Dargestellten entgegenbringt, oder, schlimmer, es belustigt. Symptomatisch für letzteres präsentierten gerade die seligen Heiterkeitsausbrüche der Szene angesichts des Selbstmords Ophelias dem Regisseur ein vernichtendes Urteil über seinen natürlichen Umgang mit den DarstellerInnen. Olé!

Alles in allem, ist die Produktion Schicksale ein im Einzelnen bemerkenswerter und als Zwischenbilanz für die jungen Darsteller durchaus vielversprechender Abend, der aber auch zeigte, wie weit der Weg für die Darsteller zur Schauspielerei noch ist und bisweilen die Gunstbereitschaft des Publikums ein kleines bisschen strapazierte. Regisseur Diaz hat die Gelegenheit genutzt zu experimentieren, den Kindern etwas beizubringen und - vor allem - selber Spass zu haben. Und das Publikum hat die Gelegenheit in die fröhliche Intimität dieses Treibens einzutauchen und den Reiz der Jugend zu geniessen. Die Schauspielkunst aber liegt jenseits dieser knackigen Tollheiten. Sie ist finsterer sozusagen, nicht heller.

Wie auch immer, Theaterinteressierten sei der  Besuch empfohlen!

(Und seiens ein bisschen nett zu den jungen Leuten und applaudierens fleissig!)
 
 

Theaterhaus Gessnerallee presented contemporary dance as 3 French radio dramas: Haïkus urbains (choreographed by Yann Marusich), L'armour de la fille et du garçon (Pascal Gravat & Prisca Harsch), and  Un instant (noemi Lapzeon). Considering these shows due to invited choreographers as representatives of the state of the art would compel one to demand an immediate stop of any public fundings for dance. We do not mean to criticise that such are indeed subsidized, as eaxh of them was in its own way somewhat attractive, but we do criticize that they were chosen as representatives of Swiss dance.

Contemporary dance which cannot express itself without language is simply absurd. However, all three shows were grounded on their relations to the carpet of noise, consisting in parts - or as a whole in Lapzeon's show, respectively - of spoken text. Dance has often been called a universal language, and so did the organizer of the `Schweizer Tanztage' in his introduction. The selected shows have proven the opposite: Dance may be understood as an exclusive spectacle for the those who have got culture, i.e. they speak the right language. Well, at least one might guess that this was the idea of the organizers from the French speaking part of Switzerland. But maybe, on the contrary they intend to teach us, that only those who do understand the language of art, will eventually be able to realize that it lacks the skill of expressing itself properly ...

.....
 

Zeitgenössische Schweizer Tanztage '98, Zürich, 2. Tag -- jâ, gâht no!

Am meisten überzeugen von den gezeigten 4 Produktionen konnte das Heimspiel "Terrain fragile" von Jaccard/Schelling/Bertinelli (wenn auch der Bezug zwischen den schönen Kritiken aus der Pressemappe bzw. der dort abgedruckten Eigeninterpretation und der gezeigten Choreographie nicht gerade augenscheinlich war). Allerdings fehlt es der Produktiom aus dem Jahre 1996 in manchen Szenen noch an Stringenz und an Kraft, etwas zu kommunizieren - sie hat sich sozusagen noch nicht selbst gefunden: mal ist etwas da auf der Bühne, mal erscheint dies gerade beobachtete etwas nur eine Projektion gewesen zu sein. Worum es denn ging fragen Sie? Um interpretierbare Bewegungen, ja. einen Tanz ruckender Puppen, zwei männliche an Fäden hängend, voll Ungeduld, ihre Röcke, sich darin drehend, und eine weibliche, engelhaft, daran hernunterschwebend, die Männer(spieldosen)bedienerin. Um Mutationen, Entkleidungen zu silbernen Geschöpfen, aber um mehr aber dann doch nicht.

"Wörter, nichts anderes als Wörter existieren zwischen uns" und dem Publikum: Der zweiten Choreographie des Abends, "Palabras" von Marcela San Pedro mangelte es ein bisschen an innerem Kontext, an Eindrücklichkeit. Wie die Arbeiten der eingeladenen Choreographen am 1. Tag spielt auch in diesem Tanz der Text eine grosse Rolle. Der Liebesschmerz ist Routine, die kleine Perversion bekannt (und hier nicht genannt) und der Rücken entzückend, doch die Spannung fehlt.

Alsdann folgte Ariella Vidachs lehrreiches "Experiment", ein interaktives System ohne Improvisation und ohne Witz, aber dafür ein weit über den diesbezüglichen, üblichen Unfug sich erhebender Versuch von Multimediakunst. Die Zutaten sind nicht gerade neu, aber mit handwerklichem Geschick zusammengefügt. Videokameras erfassen die Bewegungen der TänzerInnen, das Computersystem gibt diese einerseits auf einer graphischen Oberfläche, die auf eine Leinwand gebeamt wird, leicht verfremdet wieder als Teil einer zwei+epsilon-dimensionalen virtuellen visuellenWelt, andererseits in Form von Geräuschen, welche den Eindruck geben, akkustische Reaktionen der virtuellen Welt auf die Bewegungen, das Eindringen, das Durchgleiten der Körper zu sein.  angesichts der Parallelaktion von Tanz und Computerreflektion kommt einem schnell einmal die Ungleichheit des Ähnlichen in den Sinn, es bleibt aber unklar, ob dies der Mailänder Künstlerin beim Entwurf ihres Werks auch so ging. Der Tanz selber verkümmert vor der Videoleinwand und fortschreitend mit der Aufführung verkümmerte auch die Aufmerksamkeit des Rezensenten.

Trotzdem ist das Experiment lehrreich - vor allem deshalb, weil es zum Nachdenken über das Schlagwort interaktiv anregt. Soweit für die ZuschauerInnen wahrnehmbar wird nichts beeinflusst im oder hinter dem Computer, die Aktion findet nur im Benutzerraum, d.h. auf der Bühne statt. Dort aber werden Choreographien vollzogen, in denen die Folge der Benutzeraktivitäten statisch vorgegeben ist und nicht reagiert wird, sondern die im Vorhinein berechnete Aktion vollzogen wird. Die Interaktion ist so schlicht eine Schimäre. Leider eine ernste.

Nach diesem weiterbildenden philosophischen Ausgang dröhnte die Orma Dance Promotion das Publikum mit Enrico Musmecis Penthiselea zur Musik von Hugo Wolf schliesslich und zu schlimmer letzt in einen versöhnlichen Schlussschlaf, welcher dem Rezensenten mit Ohrenstöpseln sanft untermalt wurde durch ewig wiederkehrendes Gelächter in seiner näheren,offiziell beschilderten, Umgebung. Leider sind diese Paradoien auf das kjlassische Ballett immer zu kurz. So wankte er wahrhaft trunken von Angeboten aus dem Theater zum MacDonalds. Uahhh! Uahhhh! Ahhhh! "Alles völlig bescheuert."
 

Resultat:

Spielbericht:

In der guten Tradition samstagabendlicher Fernsehquizsendungen gestaltet sich Romulus Enthüllung seiner jahrzehntelang befolgten Strategie gegenüber seiner Frau mehr zur Abrechnung von Ehegründen eines alten Ehepaares denn zu einem dramatischen Moment der Wahrheit. Der nachfolgende Kaisermord wäre eine Farce - Romulus Verurteilung seiner Mörder mit Ausnahme Aemilians sind nur Worte, weder hohl noch von Gewicht - wenn nicht die Nachricht von der Ankunft der Germanen die grenzdebile Schar von letzten römischen Würdenträgern in die Luft schlüge. Die erweisen sich dann exemplarisch freilich als noch grössere Schwätzer als der Kaiser und unterwerfen sich prompt - dürrenmatt so logisch.

Die Anleihen von Regie und Bühnenbildgestaltung am Kindertheater und an Beckett sind unübersehbar - entsprechend gespalten reagierte die Presse. Zitiert wird - wer hätte das gedacht !! - das Endspiel, oder auch nicht, zumindest nur ein bisschen. Die Situation ist von Anfang an unwirklich: Ein Rom, dass nur mehr aus einem Bauernhof besteht, in einer heutigen Welt, in der die Hochfinanz als weltweit agierende Hosenfirma ihre Fäden zieht. Und ein Kaiser, der mit den letzten Blättern seines goldenen Lorbeerkranz seine Rechnungen bezahlt, ein gewandter Glatzkopf als vereitelter Romaufkäfer und ein Theoderich als zweite einer Doppelrolle, deren erste als androgynes Hosenmodell den Kaiser vom Hosenkonzept überzeugen soll.

Letztendlich scheitert die assoziationsreiche Inszenierung (und an Dürrenmatt) an sich selbst, oder plakativer formuliert, am realitätsnahen Herumspazieren der Hühner auf der Bühne und dem daraus resultierenden märchenartigen Eindruck der Palastszenerie. Mag der buntfarbige Bühnenhintergrund auch kitschig wirken, so begrüdet er doch kinem schrägen Humor, der Idee und Wirklichkeit in Einklang bringen könnte. Andererseits aber bleibt Dürrenmatts Geschichte als ernsthafte historische Möglichkeit im vorgestellten Szenario nicht vorstellbar.

Romulus' jenseits von abgeklärtes Opfer-Kalkül, Rom durch seine Herrschaft den Germanen zur Beseitigung auszuliefern, erscheint unglaubwürdig, seine Existenz ohne Hinterland eine absurde Theateridee. Das tumbe Deutschtum der wilden Germanensöhne im zweiten Teil läft in einem abstrakten Raum ab, dessen ästhetischer Bezug zur postpost Atmosphäre des ersten Teils sich zumindest dem Rezensenten nicht erschloss. Es erinnert an filmische Glanzleistungen a la "Als die Frauen noch Schwänze hatten", doch damit hat es sich. Bindeglied der Szenenfolge ist nur Cziesla, der irgendwie und sowieso unbeeindruckt im grunzzufriedenen schauspielerwo spielt, weit weg oder überdrüber irgendwelchen tödlichen Wirklichkeiten.

Gezeichnet wird so mehr ein Sittengemälde eines - hochkarätigen - Schauspielerstalls denn eine eigentümliche geschichtliche Episode: Anne-Marie Blanc tritt auf, weil sie schon bei der Uraufführung vor 50 Jahren dabei, Gardi Hutter tritt auf, weil sie Käse ist (und versucht vor jedem Akt den Vorhang zu bemalen) und Kronlachner schlurft vermutlich auf, weil sich mittlerweile nicht einmal mehr sein Kontrabass regelmässig ausverkaufen lässt. Und die Regie verzichtet auf die Anklage Romulus, auf die die erklärtermassen von Dürrenmatt beabsichtigte Freisprechung folgen könnte, weil das gebildete Publikum seinen Dürrenmatt schon in- und auswendig kennt.

Und die jungen, die Dürrenmatt nicht verstehen, die finden sich das Schwertschwingen Theoderichs und andere Gags lustig. .....
 
 
 

Das Szenario ist, wie es bei Musil üblich ist. Tina Engel und Ernst Stoetzner spielen cool philosophisch ambitionierten PD für Medizin und geistesverwandte, wenn auch nicht wirklich verständige Ehefrau, Wolfgang Maria Bauer anselmt kopfverwindend den Aussteiger und Anne Tismer verinnerlicht schief das esoterische Frauenzimmer, Schwägerin des PD und Ehefrau seines ordinarialen vätzerlichen Freunds Josef. Zeitlos alle, weder damals, und noch weniger heute.

Opfer dieser Schaustellerei wird Ludwig Böttger als Dektektiv Stader, dessen Text vom Wissenschaftlichen im Detektiven im allgemeinen Sinnnirwana vollends blödsinnig wirkt. Manches böte sich da an, doch die Dramaturgie verehrt wohl Franz Joseph H. (und wird konsequenterweise im Web-Programm gleich gar nicht erwähnt). Dafür kann sich Gerd Böckmann als hölzerner Josef gut in Szene setzen, zumal er sich nicht an heutigen Realitäten messen muss.

Geredet wird - naturgemäss - viel, interpretiert entsprechend musilant sparsam. So kommt die Unspielbarkeit des in allen Charätären gescheiten Texts recht gut zur Geltung. Dort wo es sinnvoll möglich ist, erzeugen Pausen zur lokalen Sinnverkehrung von Sätzen Interesse und Spannung. In Textpassagen ohne Argumente aus dem scheinbaren Gegenteil hingegen, gehen die Darsteller vollkommen in die Sprache ein, dass die Gedanken des Publikums leicht enteilen können.

Die Psychologie bleibt dabei aussen vor. Die eigenartige Atmosphäre der kleinen Gesellschaftserneuerer-Gesellschaft, in der anspruchsvolle Wortschwalle selbstverständlich und die Sprachdukten mehr als nur ähnlich sind, wird hinter den wahnlosen Fluchtideen der frigiden, nach Demütigung schmachtenden Gattin Josefs versteckt. Die im Hintergrund sichtbare, unscharfe, saftige Natur deckt dazu als Metapher das Spezielle der Szene zu, statt es zu kontrastieren, und hindert so ebenfalls die Einordnung des Geschehens.

Die Zuschauer erleben eine wirklichkeitsnahe und doch nicht ganz fassbare, eine im naiven Detail unstimmige Traumwelt, deren letzte Konklusion die ist, dass Intellekt konsequent verstanden doch nur wieder Esoterik ist. Hier und jetzt und heute oder damals historisch betrachtet gibt es nicht.

Modern weil zeitlos also. Aber immerhin gut übertrieben. Wussten Sie übrigens, dass aus Modern Moder wird, wenn ein Rezensent sich ein bisschen schwer tut beim Tippen? (vermutlich eine freudsche fehlleistung - grins)